Texto: Elvis Bvouma

Resumen

Una mujer toma la palabra y vierte su odio contra el teatro —y por tanto contra la vida—, manifiesta todo lo que detesta, toda la superficialidad del mundo, y expresa su deseo de que surja otro tipo de teatro. Una mujer en un espacio intermedio, dividida: ella es la voz que habla de la pasión, de lo sublime, de lo sórdido, de lo indignante. En una especie de soliloquio-confidencia, expone su verdad, siempre al límite, entre la provocación y el humor, sobre todo cuando habla de sí misma.

Notas de intención de la artista

Creación y renacimiento

¿Quién mejor que un actor, una actriz, un hombre/mujer de teatro para contar los entuertos, los defectos, las tribulaciones y otros excesos que provoca el teatro, así como la magia que genera?

En una sociedad (camerunesa y africana) en la que la gente de a pie está llena de prejuicios sobre la cultura y las artes -especialmente el teatro-, en la que la gente de a pie muestra un flagrante desconocimiento de esta disciplina artística y elabora una plétora de tópicos sobre ella por falta de referentes o de figuras visibles en los medios de comunicación, los profesionales del teatro viven en sus carnes todo lo que el teatro transmite de sublime, de generosamente humano… Humano y, por tanto, también vil, mezquino, ostentoso, violento, despiadado. O simplemente sórdido.

Que un actor diga que odia el teatro parece contradictorio y roza la herejía. Hay que amar el teatro, hay que tener pasión por el teatro para hacerlo. Hay que desearlo con todas las fuerzas del cuerpo y sudar sangre y agua para poder hacer teatro. Tienes que lanzarte de todo corazón… ¿Pero no es cierto que del amor al odio sólo hay un paso?

El amor y el odio son dos caras de la misma moneda. Así, al tiempo que examina minuciosamente el odio visceral hacia el teatro que habita en el artista, el texto Je déteste le théâtre (Odio el teatro) revela subrepticiamente una parte de la pasión que le consume por practicar, vivir y existir a través de este arte.

A través de este texto, Elvis Bvouma pone al descubierto todas las contradicciones que habitan y animan a los actores, actrices y otros directores y dramaturgos. Pero también todas esas «pequeñas cosas» que molestan y a veces divierten tanto al espectador como a la gente del teatro.

El texto va más allá al presentar el mundo como un gran escenario y la vida misma como una gran obra de teatro en la que evolucionan los actores humanos. Pero lo mejor está por llegar: la propia muerte sería el teatro por excelencia y los muertos, actores tallados en la madera más preciada y cuya calidad interpretativa sería la perfección.

Entonces, ¿cómo cuestionamos nuestro oficio? ¿Cómo lo percibe el público o el ciudadano medio? ¿Cómo lo reciben y lo cuestionan? ¿Existe una conexión entre el artista y el espectador? Si es así, ¿dónde y cómo? Si no, ¿dónde se atasca el mecanismo? ¿Qué futuro tiene el teatro en nuestra sociedad? ¿Qué sociedad para qué teatro?

Elvis Bvouma cuestiona, describe y denuncia todo esto con el brío y la acidez que el público y quienes trabajan en el teatro camerunés y africano contemporáneo conocen. Un texto para (re)despertar conciencias, para animar a la reflexión, para cambiar la forma de ver el teatro, para sacudir ideas preconcebidas, para compartir el sueño de cambiar mentalidades y formas de ser con uno mismo y con los demás para un mundo más armonioso, «menos teatral y por tanto más real».

He decidido que este monólogo sea narrado por una mujer y no por un hombre, desviándome en este punto de la escritura original del autor. Evidentemente, esto llevó a la reescritura del texto por parte del autor, que optó por reelaborarlo para que el texto pudiera ser interpretado tanto por un hombre como por una mujer. De hecho, mi deseo desde el principio fue utilizar la sensibilidad y la delicadeza femeninas como herramientas para hacer que el texto se escuchara desde una perspectiva diferente.

En las versiones anteriores del espectáculo, la actuación la hacía otra actriz, mientras yo dirigía. Para la reposición, sin embargo, tuve que hacer una elección porque la actriz no podía actuar. Dadas las circunstancias, lo más práctico era que me interpretara a mí misma y, por lo tanto, que asumiera el delicado ejercicio de dirigir un monólogo que, en mi opinión, requiere realmente que el intérprete inyecte gran parte de su personalidad y su psique, más allá de prestar su cuerpo, para transmitir con sinceridad las palabras de este texto visceral que es «Odio el teatro».

El enfoque: trabajar con lo básico

Rojo, blanco, azul – caliente, frío. Colores y tonos básicos de los que se derivan los elementos constitutivos de este espectáculo: el vestuario, el decorado, las luces, las emociones, las intenciones. Un trabajo de actor sobre el elemento básico que es el cuerpo de la actriz con todo lo que lo constituye, lo atraviesa, lo habita. La experiencia consiste en partir de uno mismo, de lo más cercano a uno mismo, para SER primero y luego DECIR en el escenario. De hecho, en mi enfoque de este proyecto, el personaje —como personaje teatral— no existe. La redacción del texto nos permite abordar la obra desde este ángulo.

De ahí la idea de la actriz que, en este escenario que es el «teatro de la vida», no juega a ser sino que es. No juega a dar un texto, a interpretar un personaje. Ella simplemente entrega su verdad en su intimidad habitada por sombras, sueños, recuerdos, ilusiones, fantasmas, ira, deseos…

Está trabajando para producir un manifiesto, un libro, un ensayo, un poema… En definitiva, un escrito que será como «un golpe que te golpea como un rayo» y que, espera, sea capaz de provocar el cambio necesario para que surja «otro teatro» de la vida, otro teatro de la escena. Se preocupa, cuestiona, critica, se (auto)inventa, sueña… mucho.

El sueño dentro del sueño, el teatro dentro del teatro.

De hecho, tratar Odio el teatro desde el ángulo de la mise en abyme es la línea adoptada para esta creación. El texto anima a crear ese contexto. La toma de conciencia de esta mise en abyme tendrá que venir de una especie de momento inesperado, un inocente golpe de teatro —me tomo la libertad de jugar con las palabras aquí, como hace el autor—.

Además, la creación combina realismo y simbolismo en su escenografía. Simbolismo en términos de formas y elementos sugeridos y estilizados. Luces claras en una perspectiva de iluminación cambiada que muestra la intranquilidad, la agitación interior, la pasión devoradora de amor-odio de esta mujer que está en su momento de verdad.

Evidentemente, se trata de un trabajo de reflexión y de investigación junto con el iluminador y el escenógrafo. Mi principio rector es no empezar nunca una creación con ideas fijas, sino trazar las líneas generales en torno a las cuales se construye el espectáculo. La obra es el fruto de estas energías en sinergia; energías que a veces chocan, chocan, se contradicen, se enfrentan, pero siempre convergen para bien.

Hermine YOLLO